EL MURAL 4TO

EL MURAL

Un mural o pintura mural, es una técnica de arte figurativo pintada o aplicada directamente sobre un muro o pared, bien sea piedra o algún tipo de construcción. Los modelos históricos más habituales son de composiciones pictóricas, o también realizados en mosaico, cerámica o esgrafiado.

HISTORIA

Los murales más antiguos, las pinturas rupestres, datan del paleolítico superior, se encuentran en cuevas, pintados sobre las paredes de roca con pigmentos naturales de plantas y minerales, y aglutinantes como la resina. Una concepción artística que tendría su continuidad quizá en la pintura sobre muros y paredes, que predominó durante la antigüedad, y durante la época románica. Durante el Renacimiento el arte mural evolucionó con la técnica al fresco como los conservados en las Estancias del Vaticano y la Capilla Sixtina, técnica que se mantuvo durante el Barroco y el Rococó, en ocasiones combinada con relieves de estuco.

Ya en el siglo xx, Occidente devolvió cierto protagonismo al arte mural pictórico con la obra de los muralistas de México y otros países de Hispanoamérica, entre ellos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco en México, Pedro Nel Gómez en Colombia, y Teodoro Núñez Ureta en Perú.

CARACTERÍSTICAS

La pintura mural se desarrolló con carácter decorativo o didáctico, y muchas veces en contextos religiosos y simbólicos o mágicos. ​

En su aspecto estructural, pueden darse como características principales del mural:

La "monumentalidad", tanto por el tamaño del soporte (una pared) como por aspectos compositivos de lo representado.

La "poliangularidad", referida a los distintos "puntos de vista" y "tamaños del plano" del campo plástico de representación y su contemplación

GRAFITISMO Y PIXELISMO

El grafiti, en sus vertientes más artísticas y monumentales ha llegado a ser aceptado como una forma contemporánea y urbana de pintura mural​ De forma más funcional se recurre a los grafiteros de élite para cubrir cierres, persianas, puertas o paredes de comercios, tapando la decoración informe que deja la moda del grafiti-firma.

Algunos manuales incluyen murales producidos o ejecutados con tecnología moderna como el llamado mural digital colaborativo.

TIPOS Y TÉCNICAS

PINTURA RUPESTRE

Una pintura rupestre es todo dibujo o boceto que existe en algunas rocas o cavernas, especialmente los prehistóricos. El término «rupestre» deriva del latín rupestris, y este de rupes (roca). De modo que, en un sentido estricto, rupestre haría referencia a actividad humana sobre las paredes de cavernas, covachas, abrigos rocosos e, incluso farallones u otro instrumento barrancos, entre otros. Desde este aspecto, es prácticamente imposible aislar las manifestaciones pictóricas de otras representaciones del arte prehistórico como los grabados, las esculturas y los petroglifos, grabados sobre piedra mediante percusión o abrasión. Al estar protegidas de la erosión por la naturaleza o ubicación del soporte, las pinturas rupestres han resistido el pasar de los siglos

FRESCO

Un fresco (del italiano affresco) es una pintura realizada sobre una superficie cubierta con dos capas de mortero de cal, la primera (arricio) de mayor espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda (intonaco) más fina formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van aplicando los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas (giornate, al plural; giornata al singular), de ahí su nombre. Destacan las decoraciones de la Capilla Sixtina hechas por Michelangelo Buonarroti.

El fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos. Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir, aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.

MURALISMO MEXICANO

El muralismo fue un movimiento artístico iniciado en México a principios del siglo XX, creado por un grupo de intelectuales pintores mexicanos después de la Revolución Mexicana, reforzado por la Gran Depresión y la Primera Guerra Mundial. ​El deseo por una verdadera transformación aumentó y se comenzaron a hacer demandas más radicales, que buscaban una revolución social, política y económica. Los mestizos, la clase media y baja se unieron contra Porfirio Díaz.

Cuando Álvaro Obregón llegó al poder muchos cambios fueron implementados. Tres millones de hectáreas de tierras fueron redistribuidas a los campesinos, los programas educativos fueron mejorados así como se asignaron fondos para fomentar las artes. Parte de estos fondos fueron utilizados por los muralistas para expresar con orgullo su pasado indígena y educar a la gente.

GRAFITI

Se llama pintada, grafito1​ o grafiti2​ (las dos últimas del italiano graffiti, graffire, y este a su vez del latín scariphare, ‘incidir con el scariphus’ —estilete o punzón, con el que los antiguos escribían sobre tablas—)3​4​ a una modalidad de pintura libre, destacada por su ilegalidad, generalmente realizada en espacios urbanos. Su origen se remonta a las inscripciones que han quedado en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de carácter satírico o crítico. Para denominar estas inscripciones de época arqueológica es más frecuente el uso de la palabra «grafito»}

ESGRAFIADO

Esgrafiado es una técnica ornamental arquitectónica utilizada para la decoración en el enlucido y revestimiento de muros, tanto en el exterior como en el interior de edificios.1​ El término, de origen italiano (sgraffiare),2​ se aplica tanto a la acción artesana como al producto resultante.3​ En materia de albañilería, puede considerarse como una variedad o tipo de grabado realizado sobre una superficie estofada, a partir de dos capas o colores superpuestos que permiten revelar formas o dibujos al retirar o rallar la capa exterior.4​ En los revestimientos de fachadas y decoración de algunos interiores suelen utilizarse plantillas con motivos geométricos seriados. En la península ibérica, este oficio, de algún modo heredero del arte decorativo parietal, tuvo su origen en el trabajo artesano de los alarifes mudéjares, que dejaron diferentes ejemplos en Andalucía, Aragón, Castilla, Cataluña, Levante y Portugal.

El esgrafiado, además de su aplicación arquitectónica, se ha documentado en restos arqueológicos de distinta antigüedad en su aplicación sobre objetos de cerámica y, en la Edad Media, sobre manuscritos en las ilustraciones en oro.5

	Pintura mural	La pintura mural tiene como soporte el muro, unido indisolublemente a éste. El arte mural está estrechamente relacionado con la arquitectura, dependiendo de ella, no solo en su conservación, sino también en su consideración visual. Tradicionalmente, la técnica original de pintura mural renacentista ha sido el fresco y sus variantes al medio fresco o en seco. La aplicación de pinturas al óleo y posteriormente las sintéticas, son técnicas características de los murales actuales, combinados con otros materiales y bases diversas con que se trata previamente el muro. Dentro de esta clasificación podemos mencionar aquellas obras de grandes dimensiones realizadas sobre tela, lienzo, soportes metálicos u otro tipo de soporte rígido como plástico, madera, que luego son fijadas al muro.
	Relieve escultórico	Sobre la base del muro, el relieve escultórico se trabaja directamente sobre él. Puede tratarse de un sobrerrelieve o de un bajorrelieve, dependiendo de su espesor en relación con el fondo. Pueden realizándose en materiales como cemento, piedra reconstituida, mármoles, resinas sintéticas, madera. La luz tiene un papel de fundamental, ya que permite destacar el relieve y vislumbrar las figuras modeladas.
	Mural cerámico	En el mural cerámico o de (azulejería), la obra pictórica está realizada sobre una base cerámica. En los antiguos murales de mosaicos venecianos, bizantinos y/o romanos, el ladrillo de azulejo es horneado para fijar los colores de los esmaltes y luego adherido al muro por medio de un mortero o mezcla adhesiva. El "trencadís" de azulejos partidos del modernismo catalán, diseñado por Antonio Gaudí en Cataluña.
	Teselas	La técnica muralista con teselas aplicadas tanto en pisos como en muros, da origen a mosaicos de distintos tamaños, a partir de materiales cerámicos y otros no cerámicos como granitos, mármoles, arcillas y vidrios.
	Mural esgrafiado	Visualmente, el mural esgrafiado podría considerarse un relieve escultórico. Sin embargo, su técnica particular combina la pintura mural con el trabajo escultórico. Los colores se aplican sobre diferentes capas de cemento, retirándose el material excedente de acuerdo al boceto deseado y a los colores que van descubriéndose en capas sucesivas.
	Vitral	En el vitral o vitraux, la composición tradicional se realizaba con vidrios de colores engarzados en plomo. Utilizado históricamente en edificios religiosos, el paso de la luz a través de los vitrales, no solo enfatizaba el carácter del templo, sino que también las imágenes elegidas, eran referentes histórico religiosos de las ciudades que representaban. Actualmente, los vidrios pueden fijarse por medio de nervios de cemento, al modo de muros de ladrillos de vidrio. La unión de las piezas vidriadas, mediante resinas sintéticas, fue una de las innovaciones técnicas realizada por el artista Luis Seoane.

INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA MÉTODO Y TÉCNICA

                              

                                                Investigación artística

Investigación artística es un enfoque de investigación particularmente adecuado para los estudiantes e investigadores que se dedican al arte. De acuerdo con Rubén López Cano, este enfoque "implica la reflexión crítica sobre diferentes elementos de la práctica artística, como el proceso creativo, los hábitos y estudio, las influencias teóricas y prácticas". Desde algunas perspectivas, este tipo de investigación considera las prácticas artísticas como formas particulares de producción de conocimiento, que se distinguen de otras formas de saber no sólo por sus contenidos, sino también por sus metodologías y principios epistemológicos.

En las últimas décadas, la investigación artística ha tenido una amplia difusión en diversas universidades y centros de investigación, particularmente en Norteamérica y Europa, siendo así que al día de hoy existen diversas instituciones, publicaciones, congresos internacionales y proyectos que permiten considerarla como un campo académico en su propio derecho.

Historia

Si bien la investigación artística parece ser un campo académico reciente, ya en 1984 se inauguró uno de los primeros programas de doctorado de investigación artística en Australia (Doctorado en escritura creativa de la University of Wollongong y la University of Technology), mientras en Europa surgen las primeras iniciativas en la década de 1990 con publicaciones como Research in Art and Design de Christopher Frayling. A partir de 1999, debido al Proceso de Bolonia, han surgido una gran cantidad de publicaciones, congresos, programas educativos, etc.

Tal como afirma Álvaro Zaldívar, ​ la investigación desde el arte "ha existido siempre", pues siempre ha habido artistas "que han analizado y transmitido con extremado rigor su propio proceso creativo". No obstante, si la entendemos como un enfoque investigativo particular, es hasta finales del siglo XX cuando la investigación artística surge de una problemática compleja en la que la vida profesional del artista a menudo está alejada de la idea de investigación en comparación a la que se encuentra en otros ámbitos del saber, por lo que pretende elaborar un trabajo de investigación donde su propia práctica y proyecto artístico es susceptible de ser el eje fundamental del proyecto y cuya función es aportar conocimientos, así como aplicaciones didácticas de sus métodos y resultados.

Diferentes aproximaciones y perspectivas de la investigación artística

De acuerdo con Frayling​ existe una distinción entre tipos de investigación en las artes, diferenciando entre “investigación dentro del arte”, “investigación para el arte” e “investigación a través del arte”. En la literatura especializada se han utilizado varios términos y expresiones para denotar la investigación artística. Los más comunes son “investigación basada-en-la-práctica”, “investigación guiada-por-la-práctica” y “práctica como investigación”. La investigación basada-en-la-práctica es una noción general y amplia que puede aplicarse cualquier forma de investigación en las artes orientada hacia la práctica. Ya que el artista trabaja con un lenguaje expresivo que atañe a los sentidos y no necesariamente con el lenguaje congnitivo, resulta pertinente hablar de una investigación artística que refleje la relación del artista con su propia práctica, y llegue a cuestionar ¿cómo sucede el arte?. La Arts and Humanities Research Council actualmente prefiere el término investigación guiada-por-la-práctica para denotar la investigación que está centrada-en-la-práctica. El término más explícito de todos es práctica como investigación, ya que expresa el entrelazamiento directo de investigación y práctica. La expresión “investigación artística”, que a veces se elige para destacar la especificidad de la investigación en el arte, evidencia no sólo el vínculo comparativamente íntimo entre teoría y práctica, sino que también encarna la promesa de un camino diferente, en un sentido metodológico, que diferencia la investigación artística de la investigación académica predominante.

                         Método de investigación

El método artístico

Se piensa en el método científico como una forma certera de obtener conocimiento; aunque en realidad no existe tal método, sino un conglomerado de prácticas y estrategias vertebradas en torno a un esqueleto común: el empleo sistemático de la experimentación, la medida y la razón. La observación controlada y reproducible de los fenómenos, la búsqueda de regularidades,  la propuesta de hipótesis verificables, el establecimiento de leyes expresadas en términos matemáticos, la emisión de teorías, el uso de modelos… todo ello configura eso que se conoce como Ciencia.

A medida que se sigue esta forma de proceder se van obteniendo datos, se encuentran relaciones entre ellos y se obtiene una visión y una explicación más completa de los hechos conocidos. La ciencia crece, al igual que lo hacen sus aplicaciones y, supuestamente, el control que tenemos sobre nuestro medio.

Aplicando el método científico se genera ciencia. ¿Cabría pensar en la existencia de un proceso similar para el Arte? ¿Se podría hablar de ciertas formas de actuar y de pensar que conducen a la creación artística; es decir, aplicando un método es posible generar Arte?

Cuando se pregunta a los artistas sobre su método, sobre la sucesión de pasos que les han conducido a la creación de sus obras, no se obtiene una respuesta concreta. Suelen hablar de su forma de trabajar, de sus rituales, sus manías y sus rutinas, de situaciones y de estados que propician o dificultan su trabajo, de inspiración… pero no es posible extraer de estas conversaciones un método tan reproducible como puede llegar a serlo el método científico.

La obra de arte es racionalizable pero no surge de la razón. No se puede sistematizar, aunque haya sistemas y técnicas que la hacen más posible. Si el artista no es capaz de enumerar la secuencia de pasos que le ha conducido hasta el resultado final, posiblemente sea porque esta secuencia no existe, porque el proceso creativo no ha sido lineal sino transversal, entretejido y con bucles en el tiempo.

Cuando los paleontólogos intentan dilucidar sobre lo que se considera humano y lo que no, las expresiones artísticas se admiten como una de las evidencias más claras de la presencia y de la acción de los humanos de otro tiempo. Las pinturas rupestres, las figuras talladas, la disposición de abalorios y utensilios en una tumba son creaciones intencionadas que no pueden vincularse directamente con la supervivencia. Cierto es que las manifestaciones artísticas, lo mismo que las manifestaciones religiosas, pueden explicarse en términos de cohesión de grupo, de biología social, de ventaja evolutiva adquirida mediante el empleo de símbolos; pero esta explicación no parece suficiente para justificar la capacidad que tienen estas obras de conmover, de despertar las emociones miles de años después. Ignorar esto es empeñarse en elaborar una visión simplista, por muy complicada que esta sea, del hecho humano.

Lamentablemente, esta es la visión sobre la que se construyen los sistemas educativos actuales; todos ellos fundamentados en el uso de la razón y tratando de encontrar una forma científica de educar; es decir, buscando un método racional que garantice el aprendizaje. Aunque, como ya apuntan las neurociencias, no hay aprendizaje sin emoción y el Arte está más cercano a ella que la razón. No basta con el manejo racional de las emociones, eso que se conoce como inteligencia emocional, que solo palia pero no resuelve la gran ineficacia de nuestra forma de educar. El Arte y la Ciencia son dos formas diferentes de buscar, de obtener conocimientos. Una se apoya en la emoción y la otra en la razón. Pero hay razonamiento en lo artístico y emoción en lo científico. El gran problema de nuestras escuelas es ignorar que esta interrelación existe, actuar como si no existiera.

Lo que llamamos pensar consiste en la traducción de nuestras sensaciones y emociones en palabras y en el uso de estas palabras siguiendo las reglas del lenguaje con el que hayamos aprendido a hablar y de la lógica en la que se nos haya educado. Convertimos nuestras vivencias en un relato para darles forma, para adquirir la falsa ilusión de que podemos manejarlas. Interpretamos el mundo hablando y creemos que así lo podemos controlar.

El Arte interpreta y traduce la realidad de otra manera. Es una forma de comprender y hacer más manejable aquello para lo que no son suficientes las palabras; y por eso emplea el trazo, los colores, las formas, los sonidos, el movimiento y el ritmo, entre los múltiples recursos expresivos que tenemos a nuestro alcance. Desde este punto de vista, el proceder artístico es más globalizador y, posiblemente, impacta más en nuestra biología y produce aprendizajes más duraderos.

En las escasas ocasiones que se habla de incorporar el Arte en la escuela, inmediatamente se piensa en incluir más dibujo, música o danza, por ejemplo, en lo que allí se hace; se piensa en la creación y los resultados y se da por supuesto el proceso. Pero la esencia del hecho artístico no son sus obras sino la forma en que se llega a ellas. Y eso es lo que debería enseñarse: la actitud, el proceder y los requisitos necesarios para colocarse en disposición de que las musas lleguen.