jueves, 17 de octubre de 2019
lunes, 9 de septiembre de 2019
EL MURAL 4TO
EL MURAL
Un
mural o pintura mural, es una técnica de arte figurativo pintada o aplicada
directamente sobre un muro o pared, bien sea piedra o algún tipo de
construcción. Los modelos históricos más habituales son de composiciones
pictóricas, o también realizados en mosaico, cerámica o esgrafiado.
HISTORIA
Los
murales más antiguos, las pinturas rupestres, datan del paleolítico superior,
se encuentran en cuevas, pintados sobre las paredes de roca con pigmentos
naturales de plantas y minerales, y aglutinantes como la resina. Una concepción
artística que tendría su continuidad quizá en la pintura sobre muros y paredes,
que predominó durante la antigüedad, y durante la época románica. Durante el
Renacimiento el arte mural evolucionó con la técnica al fresco como los
conservados en las Estancias del Vaticano y la Capilla Sixtina, técnica que se
mantuvo durante el Barroco y el Rococó, en ocasiones combinada con relieves de
estuco.
Ya
en el siglo xx, Occidente devolvió cierto protagonismo al arte mural pictórico
con la obra de los muralistas de México y otros países de Hispanoamérica, entre
ellos Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco en México,
Pedro Nel Gómez en Colombia, y Teodoro Núñez Ureta en Perú.
CARACTERÍSTICAS
La
pintura mural se desarrolló con carácter decorativo o didáctico, y muchas veces
en contextos religiosos y simbólicos o mágicos.
En
su aspecto estructural, pueden darse como características principales del
mural:
La "monumentalidad", tanto por el tamaño del
soporte (una pared) como por aspectos compositivos de lo representado.
La "poliangularidad", referida a los distintos
"puntos de vista" y "tamaños del plano" del campo plástico
de representación y su contemplación
GRAFITISMO Y PIXELISMO
El grafiti, en sus vertientes más artísticas y
monumentales ha llegado a ser aceptado como una forma contemporánea y urbana de
pintura mural De forma más funcional se recurre a los grafiteros de élite para
cubrir cierres, persianas, puertas o paredes de comercios, tapando la
decoración informe que deja la moda del grafiti-firma.
Algunos
manuales incluyen murales producidos o ejecutados con tecnología moderna como
el llamado mural digital colaborativo.
TIPOS Y TÉCNICAS
PINTURA RUPESTRE
FRESCO
Un
fresco (del italiano affresco) es una pintura realizada sobre una superficie
cubierta con dos capas de mortero de cal, la primera (arricio) de mayor
espesor, con cal apagada, arena de río y agua, y la segunda (intonaco) más fina
formada por polvo de mármol, cal apagada y agua, sobre la que se van aplicando
los pigmentos, cuando todavía esta última capa está húmeda, y por jornadas
(giornate, al plural; giornata al singular), de ahí su nombre. Destacan las
decoraciones de la Capilla Sixtina hechas por Michelangelo Buonarroti.
El
fresco se ejecuta en jornadas de trabajo de 8 horas, ya que la cal en un
periodo de 24 horas comienza su proceso de secado y no admite más pigmentos.
Por ello algunos acabados se realizaban en seco, con temple, es decir,
aglutinados con cola. A esa técnica se la conoce como fresco seco.
MURALISMO MEXICANO
El
muralismo fue un movimiento artístico iniciado en México a principios del siglo
XX, creado por un grupo de intelectuales pintores mexicanos después de la
Revolución Mexicana, reforzado por la Gran Depresión y la Primera Guerra
Mundial. El deseo por una verdadera transformación aumentó y se comenzaron a
hacer demandas más radicales, que buscaban una revolución social, política y
económica. Los mestizos, la clase media y baja se unieron contra Porfirio Díaz.
Cuando
Álvaro Obregón llegó al poder muchos cambios fueron implementados. Tres
millones de hectáreas de tierras fueron redistribuidas a los campesinos, los
programas educativos fueron mejorados así como se asignaron fondos para
fomentar las artes. Parte de estos fondos fueron utilizados por los muralistas
para expresar con orgullo su pasado indígena y educar a la gente.
GRAFITI
Se
llama pintada, grafito1 o grafiti2 (las dos últimas del italiano graffiti,
graffire, y este a su vez del latín scariphare, ‘incidir con el scariphus’
—estilete o punzón, con el que los antiguos escribían sobre tablas—)34 a una
modalidad de pintura libre, destacada por su ilegalidad, generalmente realizada
en espacios urbanos. Su origen se remonta a las inscripciones que han quedado
en paredes desde los tiempos del Imperio romano, especialmente las que son de
carácter satírico o crítico. Para denominar estas inscripciones de época
arqueológica es más frecuente el uso de la palabra «grafito»}
ESGRAFIADO
Esgrafiado
es una técnica ornamental arquitectónica utilizada para la decoración en el
enlucido y revestimiento de muros, tanto en el exterior como en el interior de
edificios.1 El término, de origen italiano (sgraffiare),2 se aplica tanto a
la acción artesana como al producto resultante.3 En materia de albañilería,
puede considerarse como una variedad o tipo de grabado realizado sobre una
superficie estofada, a partir de dos capas o colores superpuestos que permiten
revelar formas o dibujos al retirar o rallar la capa exterior.4 En los revestimientos
de fachadas y decoración de algunos interiores suelen utilizarse plantillas con
motivos geométricos seriados. En la península ibérica, este oficio, de algún
modo heredero del arte decorativo parietal, tuvo su origen en el trabajo
artesano de los alarifes mudéjares, que dejaron diferentes ejemplos en
Andalucía, Aragón, Castilla, Cataluña, Levante y Portugal.
El
esgrafiado, además de su aplicación arquitectónica, se ha documentado en restos
arqueológicos de distinta antigüedad en su aplicación sobre objetos de cerámica
y, en la Edad Media, sobre manuscritos en las ilustraciones en oro.5
Pintura mural
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La pintura
mural tiene como soporte el muro, unido indisolublemente a éste. El
arte mural está estrechamente relacionado con la arquitectura, dependiendo de
ella, no solo en su conservación, sino también en su consideración visual.
Tradicionalmente, la técnica original de pintura mural renacentista ha sido
el fresco y sus variantes al medio fresco o en seco. La aplicación de
pinturas al óleo y posteriormente las sintéticas, son técnicas
características de los murales actuales, combinados con otros materiales y
bases diversas con que se trata previamente el muro. Dentro de esta
clasificación podemos mencionar aquellas obras de grandes dimensiones
realizadas sobre tela, lienzo, soportes metálicos u otro tipo de soporte
rígido como plástico, madera, que luego son fijadas al muro.
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Relieve
escultórico
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Sobre la base del
muro, el relieve
escultórico se trabaja directamente sobre él. Puede tratarse de un sobrerrelieve o
de un bajorrelieve, dependiendo de su espesor en relación con el fondo.
Pueden realizándose en materiales como cemento, piedra reconstituida,
mármoles, resinas sintéticas, madera. La luz
tiene un papel de fundamental, ya que permite destacar el relieve y
vislumbrar las figuras modeladas.
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Mural cerámico
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En el mural cerámico o de (azulejería), la obra
pictórica está realizada sobre una base cerámica. En los antiguos murales de
mosaicos venecianos, bizantinos y/o romanos, el ladrillo de azulejo es
horneado para fijar los colores de los esmaltes y luego adherido al muro por
medio de un mortero o mezcla adhesiva. El "trencadís"
de azulejos partidos del modernismo catalán, diseñado por Antonio
Gaudí en Cataluña.
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Teselas
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Mural esgrafiado
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Visualmente,
el mural
esgrafiado podría considerarse un relieve escultórico. Sin embargo, su
técnica particular combina la pintura mural con el trabajo escultórico. Los
colores se aplican sobre diferentes capas de cemento, retirándose el material
excedente de acuerdo al boceto deseado y a los colores que van descubriéndose
en capas sucesivas.
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Vitral
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En el vitral o vitraux,
la composición tradicional se realizaba con vidrios de colores engarzados en
plomo. Utilizado históricamente en edificios religiosos, el paso de la luz a
través de los vitrales, no solo enfatizaba el carácter del templo, sino que
también las imágenes elegidas, eran referentes histórico religiosos de las
ciudades que representaban. Actualmente, los vidrios pueden fijarse por medio
de nervios de cemento, al modo de muros de ladrillos de vidrio. La unión de
las piezas vidriadas, mediante resinas sintéticas, fue una de las
innovaciones técnicas realizada por el artista Luis
Seoane.
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miércoles, 4 de septiembre de 2019
INVESTIGACIÓN ARTÍSTICA MÉTODO Y TÉCNICA
Investigación artística
Investigación artística es un enfoque de investigación particularmente adecuado
para los estudiantes e investigadores que se dedican al arte. De acuerdo con
Rubén López Cano, este enfoque "implica la reflexión crítica sobre diferentes
elementos de la práctica artística, como el proceso creativo, los hábitos y
estudio, las influencias teóricas y prácticas". Desde algunas
perspectivas, este tipo de investigación considera las prácticas artísticas
como formas particulares de producción de conocimiento, que se distinguen de
otras formas de saber no sólo por sus contenidos, sino también por sus
metodologías y principios epistemológicos.
En las últimas décadas, la investigación artística ha tenido una
amplia difusión en diversas universidades y centros de investigación,
particularmente en Norteamérica y Europa, siendo así que al día de hoy existen
diversas instituciones, publicaciones, congresos internacionales y proyectos
que permiten considerarla como un campo académico en su propio derecho.
Historia
Si bien la investigación artística parece ser un campo académico
reciente, ya en 1984 se inauguró uno de los primeros programas de doctorado de
investigación artística en Australia (Doctorado en escritura creativa de la
University of Wollongong y la University of Technology), mientras en Europa
surgen las primeras iniciativas en la década de 1990 con publicaciones
como Research in Art and Design de Christopher Frayling. A
partir de 1999, debido al Proceso de Bolonia, han surgido una gran
cantidad de publicaciones, congresos, programas educativos, etc.
Tal como afirma Álvaro Zaldívar, la investigación desde el
arte "ha existido siempre", pues siempre ha habido artistas "que
han analizado y transmitido con extremado rigor su propio proceso
creativo". No obstante, si la entendemos como un enfoque investigativo
particular, es hasta finales del siglo XX cuando la investigación artística
surge de una problemática compleja en la que la vida profesional del artista a
menudo está alejada de la idea de investigación en comparación a la que se
encuentra en otros ámbitos del saber, por lo que pretende elaborar un trabajo
de investigación donde su propia práctica y proyecto artístico es susceptible
de ser el eje fundamental del proyecto y cuya función es aportar conocimientos,
así como aplicaciones didácticas de sus métodos y resultados.
Diferentes aproximaciones y
perspectivas de la investigación artística
De acuerdo con Frayling existe una distinción entre tipos de
investigación en las artes, diferenciando entre “investigación dentro del
arte”, “investigación para el arte” e “investigación a través del arte”. En la
literatura especializada se han utilizado varios términos y expresiones para
denotar la investigación artística. Los más comunes son “investigación
basada-en-la-práctica”, “investigación guiada-por-la-práctica” y “práctica como
investigación”. La investigación basada-en-la-práctica es una noción general y
amplia que puede aplicarse cualquier forma de investigación en las artes
orientada hacia la práctica. Ya que el artista trabaja con un lenguaje
expresivo que atañe a los sentidos y no necesariamente con el lenguaje
congnitivo, resulta pertinente hablar de una investigación artística que
refleje la relación del artista con su propia práctica, y llegue a cuestionar
¿cómo sucede el arte?. La Arts and Humanities Research Council actualmente
prefiere el término investigación guiada-por-la-práctica para denotar la
investigación que está centrada-en-la-práctica. El término más explícito de
todos es práctica como investigación, ya que expresa el entrelazamiento directo
de investigación y práctica. La expresión “investigación artística”, que a
veces se elige para destacar la especificidad de la investigación en el arte,
evidencia no sólo el vínculo comparativamente íntimo entre teoría y práctica,
sino que también encarna la promesa de un camino diferente, en un sentido
metodológico, que diferencia la investigación artística de la investigación
académica predominante.
Método de investigación
Se piensa en el método científico como una forma certera de obtener
conocimiento; aunque en realidad no existe tal método, sino un conglomerado de
prácticas y estrategias vertebradas en torno a un esqueleto común: el empleo
sistemático de la experimentación, la medida y la razón. La observación
controlada y reproducible de los fenómenos, la búsqueda de regularidades,
la propuesta de hipótesis verificables, el establecimiento de leyes expresadas
en términos matemáticos, la emisión de teorías, el uso de modelos… todo ello
configura eso que se conoce como Ciencia.
A medida que se sigue esta forma de proceder se van obteniendo
datos, se encuentran relaciones entre ellos y se obtiene una visión y una
explicación más completa de los hechos conocidos. La ciencia crece, al igual
que lo hacen sus aplicaciones y, supuestamente, el control que tenemos sobre
nuestro medio.
Aplicando el método científico se genera ciencia. ¿Cabría pensar
en la existencia de un proceso similar para el Arte? ¿Se podría hablar de
ciertas formas de actuar y de pensar que conducen a la creación artística; es
decir, aplicando un método es posible generar Arte?
Cuando se pregunta a los artistas sobre su método, sobre la
sucesión de pasos que les han conducido a la creación de sus obras, no se
obtiene una respuesta concreta. Suelen hablar de su forma de trabajar, de sus
rituales, sus manías y sus rutinas, de situaciones y de estados que propician o
dificultan su trabajo, de inspiración… pero no es posible extraer de estas
conversaciones un método tan reproducible como puede llegar a serlo el método
científico.
La obra de arte es racionalizable pero no surge de la razón. No se
puede sistematizar, aunque haya sistemas y técnicas que la hacen más posible.
Si el artista no es capaz de enumerar la secuencia de pasos que le ha conducido
hasta el resultado final, posiblemente sea porque esta secuencia no existe,
porque el proceso creativo no ha sido lineal sino transversal, entretejido y
con bucles en el tiempo.
Cuando los paleontólogos intentan dilucidar sobre lo que se
considera humano y lo que no, las expresiones artísticas se admiten como una de
las evidencias más claras de la presencia y de la acción de los humanos de otro
tiempo. Las pinturas rupestres, las figuras talladas, la disposición de
abalorios y utensilios en una tumba son creaciones intencionadas que no pueden
vincularse directamente con la supervivencia. Cierto es que las manifestaciones
artísticas, lo mismo que las manifestaciones religiosas, pueden explicarse en
términos de cohesión de grupo, de biología social, de ventaja evolutiva
adquirida mediante el empleo de símbolos; pero esta explicación no parece
suficiente para justificar la capacidad que tienen estas obras de conmover, de
despertar las emociones miles de años después. Ignorar esto es empeñarse en
elaborar una visión simplista, por muy complicada que esta sea, del hecho
humano.
Lamentablemente, esta es la visión sobre la que se construyen los
sistemas educativos actuales; todos ellos fundamentados en el uso de la razón y
tratando de encontrar una forma científica de educar; es decir, buscando un
método racional que garantice el aprendizaje. Aunque, como ya apuntan las
neurociencias, no hay aprendizaje sin emoción y el Arte está más cercano a ella
que la razón. No basta con el manejo racional de las emociones, eso que se
conoce como inteligencia emocional, que solo palia pero no resuelve la gran
ineficacia de nuestra forma de educar. El Arte y la Ciencia son dos formas
diferentes de buscar, de obtener conocimientos. Una se apoya en la emoción y la
otra en la razón. Pero hay razonamiento en lo artístico y emoción en lo
científico. El gran problema de nuestras escuelas es ignorar que esta
interrelación existe, actuar como si no existiera.
Lo que llamamos pensar consiste en la traducción de nuestras
sensaciones y emociones en palabras y en el uso de estas palabras siguiendo las
reglas del lenguaje con el que hayamos aprendido a hablar y de la lógica en la
que se nos haya educado. Convertimos nuestras vivencias en un relato para
darles forma, para adquirir la falsa ilusión de que podemos manejarlas.
Interpretamos el mundo hablando y creemos que así lo podemos controlar.
El Arte interpreta y traduce la realidad de otra manera. Es una
forma de comprender y hacer más manejable aquello para lo que no son
suficientes las palabras; y por eso emplea el trazo, los colores, las formas,
los sonidos, el movimiento y el ritmo, entre los múltiples recursos expresivos
que tenemos a nuestro alcance. Desde este punto de vista, el proceder artístico
es más globalizador y, posiblemente, impacta más en nuestra biología y produce
aprendizajes más duraderos.
En las escasas ocasiones que se habla de incorporar el Arte en la
escuela, inmediatamente se piensa en incluir más dibujo, música o danza, por
ejemplo, en lo que allí se hace; se piensa en la creación y los resultados y se
da por supuesto el proceso. Pero la esencia del hecho artístico no son sus
obras sino la forma en que se llega a ellas. Y eso es lo que debería enseñarse:
la actitud, el proceder y los requisitos necesarios para colocarse en
disposición de que las musas lleguen.
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